El arte sonoro es un campo reciente en la historia de la creación artística mundial. El concepto de “arte sonoro” engloba áreas de creación que van más allá de las tradiciones de la práctica musical, ya que se trata de producciones que incluyen la posibilidad de trabajar sin restricciones con todos los materiales sonoros disponibles (no solo con los habitualmente asociados a la música). . En el transcurso de los siglos XX y XXI se observa un fenómeno de expansión e interrelación entre diversos campos y disciplinas creativas y artísticas en relación con la música y el sonido. Algunas de estas disciplinas son: formatos y soportes propios de las artes visuales como la escultura y la instalación; arte interactivo; la invención y construcción de nuevos instrumentos musicales (luthería experimental); una diversidad de prácticas de desempeño; entre otros. Diversos investigadores coinciden en afirmar que el arte sonoro, campo en constante crecimiento y expansión, constituye un eje de relevancia central de la creación artística de nuestro tiempo. Seth Kim-Cohen (2009) explica que el arte sonoro a lo largo del siglo XX adquirió su propia identidad como un "campo sonoro expandido", caracterizándolo como arte "no coclear" (estableciendo una analogía con el concepto de "arte no retiniano" por M. Duchamp), en el sentido de proponer diversas alternativas tanto a las artes musicales tradicionales como a las prácticas tradicionales de escucha. López Cano, por su parte, explica que “el concepto de arte sonoro no se refiere a una técnica, género o práctica artística concretos, sino a un dominio transdisciplinario donde concurren especialistas de campos, disciplinas y tradiciones artísticas sumamente diferentes (...) en el dominio se integran, discuten y contaminan diversos comportamientos artísticos provenientes de diversas tradiciones del arte contemporáneo y de vanguardia ”. Así, concluye que el arte sonoro “se integra a los paradigmas del arte contemporáneo mientras los reformula y construye los suyos propios” (López Cano, 2013).

El programa propone estudiar las concepciones estéticas contemporáneas en sus posibles relaciones de continuidad o ruptura con la estética desde la modernidad en el contexto de las manifestaciones artísticas actuales. En este sentido, se puede afirmar que la dificultad más importante que plantean estas manifestaciones, a la hora de modificar experiencias productivas y receptivas, es que ponen en crisis categorías y clasificaciones más o menos tradicionales de la teoría estética. Performance, instalaciones, bodyart, bioarte, graffiti, videojuegos, series, entre otros, tienen como consecuencia que los conceptos de obra, autor, receptor y los juicios de valor establecidos muchas veces sean incompetentes para dar cuenta de ellos. De tal manera que las múltiples formas de lo contemporáneo hacen que el arte de hoy se aleje de los intentos de demarcación teórica. Esta crisis de la estética, en cambio, no puede separarse del contexto del capitalismo y de las principales crisis culturales y filosóficas desde la modernidad. Sin embargo, también es posible incluir rupturas dentro de la propia lógica de lo artístico en la medida en que, especialmente desde la modernidad, la exigencia de originalidad del arte conlleva un cuestionamiento cíclico de las categorías teóricas establecidas.

El invaluable y variado patrimonio construido del Perú, que tiene más de 14.000 años de antigüedad, desarrollado en diferentes contextos geográficos, con diversos materiales, técnicas y sistemas constructivos, se encuentra en latente peligro de perderse, tanto por el hecho de que nuestro país está altamente sísmico y con una larga historia de desastres naturales, como porque en los últimos 50 años ha sido afectado por condiciones económicas, sociales y políticas, lo que tiene obvias repercusiones en su conservación. Áreas y centros históricos a nivel nacional, contenedores de entornos urbanos y monumentos son áreas potenciales de trabajo. Es necesario y posible gestionar proyectos que posibiliten inversiones privadas y públicas, encaminadas a recuperar la calidad de vida de su población y la conservación de su patrimonio construido.

El Programa de Postgrado en Entomología y Conservación de la Biodiversidad tiene como objetivo desarrollar profesionales que sean capaces de trabajar con los diversos temas que involucran la entomología, pero con una fuerte característica específica: la capacidad de trabajar con temas relacionados con la conservación de la biodiversidad, prestando especial atención a aquellos temas que integran la biodiversidad. conservación y desarrollo agrícola.

objetivo Formar una nueva generación de profesionales capacitados para enfrentar las urgentes necesidades de nuestro vasto patrimonio cultural, convirtiendo a nuestro país en un modelo regional de desarrollo e investigación en conservación y ofreciendo una educación de excelencia académica, sustentada en una sólida formación científica, humanística y artística. base. , con métodos y sistemas de conservación sostenibles en el tiempo. Perfil del solicitante: Licenciado en Ciencias e Ingeniería, Humanidades o Conservación. Interés por la salvaguardia de nuestro patrimonio cultural. Capacidad para trabajar en equipos multidisciplinares. Perfil de egresado: Propone estrategias y métodos viables para la dirección y ejecución de proyectos de gestión de colecciones y conservación preventiva. Desarrolla una comprensión crítica, basada en el conocimiento científico capaz de identificar las causas y efectos del deterioro del patrimonio cultural mueble. Desarrolla la capacidad para formular y gestionar proyectos de investigación, así como para difundir conocimientos de la especialidad.

El Programa de Posgrado Asociado en Artes Visuales de la Universidad Federal de Pernambuco y Universidad Federal de Paraíba (PPGAV UFPE / UFPB), Homologado por el CNE (Puerto MEC 1045, de 18/08/10, DOU 19/08/10, sec 1 , p. 10), ofrece el Máster en Artes Visuales.